Una aproximación histórica al diseño:
La creatividad especializada
Es complejo realizar un análisis histórico sobre el diseño. Cuando se revisa la historiografía notamos inmediatamente que el lugar común es referirse al diseño gráfico. Pero este tópico histórico no honra la expectativa de lo que sería una aproximación -un poco rigurosa- a ese fenómeno de la creatividad humana, al cual todo hacemos alusión cotidianamente para mencionarlo bien sea en la moda, en la decoración de nuestras casas, en un edificio, por solo citar algunos casos.
Pero es lógico, todo es diseño. Todo responde a un proceso que se inicia, a nuestro parecer, con un talento o capacidad creativa, pasa por una internalización de su forma, de su naturaleza y se concreta en un producto tangible, en la mayoría de los casos material.
Ahora bien, el Diccionario de la Real Academia Española (DRAE) ofrece varias acepciones: desde “Traza o delineación de un edificio o de una figura” pasando por “Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie” hasta “Descripción o bosquejo verbal de algo”.
En este artículo cuando hablamos de DISEÑO es el desarrollo de una disciplina -en muchos casos científica- que asociada a otras actividades creativas –tradicionales o nuevas- le agrega valor suficiente para resaltar en calidad, originalidad y excelente gusto, verbigracia diseño de modas, diseño arquitectónico, diseño de joyas. Toda esa capacidad responde a un sentido de singularización y especificidad. Esa racionalización del diseño se produce cuando se asocia arte y técnica y por lo tanto, su complejidad lo convierte en una disciplina concreta. Es una especialización que se alcanza con el mundo moderno, se separa de lo demás y se hace concreto como un oficio. Claro está, es el resultado lógico de la industrialización, el avance de la ciencia y, en general, de esta realidad contemporánea que por su propia complejidad requiere separar todos los procesos para mejorar su calidad de forma tal que se ponga a la altura de la exigente competencia actual.
La Escuela Bauhaus (1919-1933)
En 1919, el arquitecto Walter Gropius decidió instaurar en Weimar –Alemania- una escuela de arte, llamada Bauhaus, constituyéndose un icono en la historia de arquitectura en particular y en la historia del arte en general. La Bauhaus no es en modo alguno un fenómeno aislado. Vino a ser como el vértice o el punto focal de un desarrollo muy complejo y ramificado cuyos orígenes se remontan al Romanticismo pero que se basa en el Racionalismo del Filósofo René Descartes (1596-1650) en su visión de que todo hecho complejo debía poder explorarse y entenderse mediante el análisis, la intuición y la deducción, siempre que se descomponga en sus partes y se reduzca a sus elementos básicos.
Como institución la Bauhaus era una escuela Superior de Artes, creada por la “unificaciòn” de una Academia y de una escuela de artes aplicadas. Era un centro de enseñanza, con todas sus implicaciones de carácter teórico y con una tendencia muy acentuada hacia los aspectos prácticos y manuales de la actividad artística. Se crea bajo el postulado según el cual “la forma sigue a la función” orientaba a sus alumnos a la creación de productos que tuvieran un alto grado de funcionalidad, que cumplieran las exigencias de la producción industrial, que fueran asequibles y respondieran a las necesidades de la sociedad de la época. Se analizó teórica y prácticamente el concepto de función. Los talleres que dictaban contaban con dos profesores: un artista, quien les enseñaba aspectos formales; y un artesano, que les enseñaba de fabricación o medios de producción.
Desde luego era lógico que el diseño como un conocimiento particular derivara de una disciplina como la arquitectura, que se había ganado su importancia por su utilidad social, y que necesariamente, por lo que a estética se refiere, tuvo que nutrirse del arte para convertirse en más que en una “necesidad” en algo bello.
Como se ve, el diseño moderno no persigue la estética en si misma sino que adquiere una dimensión social y utilitaria.
Pop Art (1950)
Otro aporte importante para el diseño como disciplina única lo constituye el Pop Art. Después de la 2da. Guerra Mundial y ya definida la Guerra Fría, la creatividad como factor humano empieza a reaccionar a la lógica del mundo en reconstrucción. Dicha lógica se ve estimulada por el desarrollo económico y la presencia de un elemento novedoso y fundamental: los medios de comunicación de masas.
Sus orígenes se encuentran en Inglaterra y la acuñación del término Pop art se atribuye a John McHale (1955) con la finalidad de describir el movimiento. Es un esfuerzo por superar el expresionismo pero esta vez basado en un rescate de los elementos de la cultura popular. Se estaba en presencia de la comunicación como un fenómeno de masas, era el inicio de la influencia de la mediática en la sociedad. Los comerciales, las películas, los afiches, en fin el impacto el impacto del intercambio internacional esta vez nutrido por los comienzos de la televisión tuvieron en el Pop Art el gran aliado.
Fue en los EEUU ya entrada la década de los 60, que el Por Art alcanzó su nivel más acabado. ¿Pero cómo se relaciona esta tendencia con el tema que nos ocupa del diseño? Debemos denotar el factor determinante que lo separa del arte como tal y es precisamente su sentido utilitario en la sociedad. Por esa razón el Pop Art se inscribe entre los impulsores del diseño como disciplina. Ya vimos como la Bauhaus desde la arquitectura le otorgó especialización y especificidad. Ahora esta reacción rescata “lo popular” como un lenguaje facilitador de la comunicación. Pero los norteamericanos superan la banalización de lo comercial para darle mayor rango artístico. Sus mejores exponentes fueron Jasper Jhons y Robert Rauschenberg. Pero sin lugar a dudas, que el más resaltante de todos fue Andy Warhol (1928-1987) Corrían los años 60 cuando Warhol empezó a pintar imágenes de productos comerciales como las latas de “Sopas Campbell” o botellas de Coca-Cola. Utilizaba imágenes propias de los medios de masas –periódicos o carteles- Utiliza los íconos estadounidenses como Marilyn Monroe o Elizabeth Taylor. Tomar los símbolos norteamericanos para expresarlo a través del arte era un esfuerzo por mostrar la cultura, de allí su “Silla Eléctrica” y su obsesión por la “Coca-Cola”. Al respecto nos dice: “Lo que es genial de este país es que Estados Unidos ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Lyz Taylor bebe Coca-Cola y piensas que tu también puedes beber Coca-Cola”…
La semiótica y la hermenéutica
El desarrollo de la semiótica y la hermenéutica han hecho su aporte en la metodología del diseño. En semiótica, Jean Baudrillard, a quién se le considera el padre de la teoría semiótica del diseño, aplicó el método semiótico estructuralista al análisis de lo cotidiano. A través de la investigación del lenguaje de los objetos determinó que todas las cosas que rodean al hombre hablan de su propietario, sus valores, deseos y esperanzas. En la hermenéutica, Edmund Husserl desarrolla un método fenomenológico para entender el ambiente vital y del hombre de manera directa y mediante una interpretación global de su entorno, como de su vida cotidiana. Este modo de entender y explicar las experiencias cotidianas a partir de un horizonte histórico determinado y limitado espacial y temporalmente se aplica como método de conocimiento en diseño.
Diseño computarizado
Alcanzada la década de los 80, el avance indetenible de la tecnología de la información vuelve a impactar a la disciplina del diseño. Esta vez se internaliza, se miniaturiza y a la vez se hace más complejo. Veamos por ejemplo el diseño de los lf computarizados que no se expresan externamente en su sentido visual y óptico pero que por su propio diseño y capacidades son capaces de modelar cualquier otro “diseño” en el mundo digital. Veamos los avances en el arte, en la moda, en la arquitectura y todo cuanto tenga que ver con procesos creativos, los cuales difícilmente pueden escapar de estos “pequeños diseños” que llamamos microprocesadores. Este es el punto en que el “diseño asume al diseño” para hacer de él un factor de primer orden en el mundo actual.
Sin duda el mundo de hoy es el mundo del DISEÑO.
Escribe Oscar Sanabria
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